yabo官网符号学（Semiotics），是一门研究符号的一般理论的学科，包括符号的本质、符号的发展规律、符号的各种异议、各符号之间的相互关系、符号与人类互动的各种关系（罗兰·巴特《符号学美学》，董学文、王葵中译本）。这是目前较为规范的定义。这个概念在20世纪50年代开始引入到建筑设计当中，随后受其影响使得“符号”与“意义”的概念在产品设计以及艺术设计的各个领域发生联结，成为设计界令人注目的一股设计思潮。在消费特征从消费群对单一产品功能的使用逐渐向新的消费模式演变——即变成产品的特色消费、生活方式消费，变成一种追求感性意义和价值的“符号消费”的今天，产品设计满足人们的个性化需求已经成为了当今关注的热点。服装设计作为产品设计领域的一个门类，他的主要服务对象是人，亦被称为是人体的第二层皮肤，人体的软包装。由此可见，在消费社会中产品设计创新的背景和对象发生变化的这个时代，服装设计过程中其形式与内涵都应该发生深刻的变化，应该研究符号理论的应用与体现，能够使人与服装、社会沟通协调发展并融为一体，在复杂的文化环境中创造更合理的、多元化的服装符号方式。

　　符号的功能中包括了能指和所指两个方面。能指，指的是一种直觉的声音与图像，是一种感官效应。所指，指的是一种概念性的定义，属于一种抽象的心理意念。在服装设计中，设计也包括内在实质和外在表象两大范畴，外在表象是在服装给人能直接感觉到的范围，例如：服装款式造型、色彩、图案和面料质感等等，而内在表象则是某一服装其形象在人的内心深处所蕴含的人性理念，例如：一些少数民族的服饰，除了颜色款式本身有特点之外常常还蕴藏着其民族本身的一些图腾崇拜。这恰恰是和符号功能中的能指和所指相符的。因此在服装设计过程中我们可以在以下几个方面引入符号学作为设计创新的设计方法和应用拓展的导向。符号学在服装内外在表象方面的设计运用：

　　1.造型语言。就服装造型设计而言，我们常常首先体现在“廓型”的构思上。所谓“廓型”也就是服装的整体造型。许多著名的服装设计师的创作都是先从抽象的廓型而到具象的设计。最近由于世博会在中国上海举办，世界时装界再次刮起一阵中国风，不少知名设计师在自己的服装会上都开始展现出一些中国元素，2009年世界大牌Armani时装推出的2010春夏时装秀在服装的款式造型上就充满中国屋檐的设计，完美地表达了其引领潮流趋势的设计概念。这不失为符号学在服装设计造型运用上的一个成功演绎。

　　2.色彩语言。色彩在形成服装状态的过程中，是创造服饰整体艺术氛围和审美感受的特殊语言，它是构成服装的重要因素之一。在服饰中给人的第一感觉首先就是一件衣服的色彩。同时设计师运用不同的色彩组合进行搭配，表现出热情奔放、温馨浪漫、活泼俏丽、高贵典雅、稳重成熟、冷漠刚毅、反叛创意等各种变化迥异的风姿，给人各种不同的心灵感受，这又是色彩语言在服装设计当中的内在方面的表现。同时色彩又具有隐喻性，也就是符号学中的所指，带有一种抽象的心理意念。

　　3.图案语言。图案是一种装饰语言，图案在服装设计中的运用往往是选取它的寓意成分。当今服装设计当中的图案设计已经不再是简单地描绘某一崇拜的图腾图案或者某一具体形象形体外形，而是通常会结合服饰整体造型，用“舍形取意”的方式，在色彩、线条以及构图上让他超出本身所含元素本身的、固有的内涵，延伸出各种外延。基本上都脱离自然原型的本体，成为人们在其民族服饰以及民间美术体系之中的精神创造物。服饰图案常分为三种：经典流行图案、流行的艺术思潮产生的流行的服饰图案以及地域民族风情的流行图案。在北京奥运会上，青花瓷系列颁奖礼服，来自北京服装学院的尤珈教授将青花瓷图案的典雅美与中国传统服装的神韵相结合，设计出了独特的青花瓷系列奥运颁奖礼服。青花瓷蕴含中国文化传统，色彩符合我们的审美，运用在颁奖礼服上，既有传统特征，又有独到之处。此后，青花瓷翩然成为时尚界的新宠，各品牌相继退出以“青花瓷”图案为设计灵感的作品。沪上名主持陈辰在国际服装文化节开幕当晚身着唐韵红绣“青花瓷”定制晚装，一现身便吸引了众多目光。这件中式晚礼服，呈现出中国文化元素的素雅与清秀的同时受到了各国著名设计师的高度评价。这是近时期服装设计界运用经典民族图案为符号将其服装推向世界的成功典型范例。

　　4.材料语言。我们发现，用不同种材料制作服饰，因其不同的基质，所做出来的服装会形成鲜明的视觉审美效果。服饰的所谓格调和风格，都需要通过特定的材质和加工才能真正体现出来。材质的选用，已经成为服装设计师们首先思考的审美元素。成功的设计往往都是最大限度地去充分地利用了材料的最佳性能，全面地了解织物在视觉、触觉、结构性能方面的特点及其材质和图案，用各种不同方式去组合才能创造出既符合流行趋势又拥有自身特点的优秀设计作品。如日本著名服装设计大师三宅一生，他被誉为面料的魔术师，三宅褶皱（Pleats Please）是一般大众对三宅一生（Issey Miyake）品牌最直接的印象。其多年来对褶绉情有独钟，不断进行其素材的实验与开发，在他的设计工作室中，四壁挂满了他的试制品——各式各样的褶绉。运用褶皱表现他的个性，是他的出发点之一。他找到了设计语言并加以发扬光大。三宅一生的成功是一位设计师凭借独特面料形成自己独特设计风格的典型例子。

　　符号学的设计方法要求设计师运用符号去思考形象，形成设计形象系统的符号表达，并在各种符号表达的整合中引起创造性观念的产生，从而自然在设计符号的意义表达中形成设计观念、风格突破。符号学理论为服装设计提供了一种极有启发意义的分析方法，通过符号造型和对服装表达意义相关元素的排列、综合等构成方式来解释服装设计的意义，立足传统，注重文化，强调符号精神内涵与形式创新的符号设计方法，将会是现代服装设计发展的重要创新手段，从而可以使服装的使用者能够更有效地理解和穿着服装。

　　[1]张凌浩.产品的语意[M].第2版.北京：中国建筑工业出版社，2009.

　　[2][德]伊丽莎白·瓦尔特，马克斯·本泽.广义符号学及其在设计中的应用[M].徐恒醇，编译.北京：中国社会科学出版社，1992.

　　在时装界，传统纤维艺术在高级时装设计中仍占有重要地位，各大品牌的高级定制中都有广泛应用，经久不衰。创意时装应用现代纤维艺术表现出来的实验感，是新的设计思维催生出的时代产物，其本源仍是传统纤维艺术在服饰上的再现。现代纤维艺术的表现手法打破人体结构对服装的约束，颠覆了常规服装在材料，结构，廓型，制作工艺上的限制，实用性和功能性被淡化，实现“日用品”到“艺术品”的跨界，拓展出一块创造的新空间。

　　在处处都标榜“创意”的当今社会，几乎所有的行业都将与众不同作为发展契机。纤维艺术发展到现在，早已不是简单的编织手法，更多的是用综合材料相互环节，以缠绕，包裹，捆绑，粘贴，悬挂，排列等有创意的形式出现。纤维艺术多样的表现形式和创意时装的结合，是设计师抒发感性的新方式，也是未来服装的发展的风向标，值得重视和研究。

　　本文从时代背景，纤维艺术手法在创意时装中的运用方式，以及纤维艺术的现代性对创意服装主体风格的影响三方面进行探讨，结合了国内外实例，得出将纤维艺术手法运用于创意时装具有充分的现实意义与可行性。

　　我国的现代设计本身起步较晚，改革开放之后现代服装设计的理念迅速传播开来，其中就有“创意时装”的概念引入。时至今日，创意时装作为文化创意产业的先锋象征，更应受到人们的关注。

　　创意时装是指富有创新性，审美价值较高的服装，是在服装的审美性与艺术性达到顶峰时应运而生的，它是设计师们运用敏锐的洞察力和对时尚脉搏的准确把握，以前瞻思维产生出的未来服装的设想。创意时装主要以舞台表演或概念展示的形式出现在人们的生活中，相对脱离了服装实用的概念，使得作为审美主体的人与作为审美客体的服装之间产生了审美距离，因此创意时装具有独立性的审美，不受时间，环境，甚至人体结构等条件约束。所以，创意时装如同艺术品一样被创造出来，反映了时代精神，设计师情感和独特的艺术价值。

　　德国的表现主义绘画风格逐渐在历史舞台崭露头角。表现主义的绘画风格致力于艺术家本身的直观艺术表现，并且注重艺术家的主观意念对作品的影响，如通过作品描绘直觉和梦境感应等。他们的作品的笔触多比较奔放，辅以感染力极强的色彩语言，加上不拘一格的外部造型，这个风格中的代表性艺术家便是马蒂斯。另外还有以毕加索为主要成员的西班牙立体派风格，以改变结构而独领，也就是利用艺术家的思维扩展出的概念来替换现实的客观实在的外形概念，作品的视觉感受比较独特，需要有主观的分析才能理解作品所阐述的意义。而在当时的俄国以康定斯基为领军人物的抽象主义风格，则致力于描绘“艺术的抽象”、“主观艺术精神”的绘画理念，以不拘一格的色彩构成、线条构成来展现艺术家的精神世界。这时，众多绘画流派都以最时髦的口号、主张和表现手法，纷纷亮相，皆以表现新的思路著称，如达达派、未来派、超现实主义风格等多种思路流派都开始崭露头角。他们的名称各有不同，但都主张艺术思路要具有开放性并适应未来的需求，主张艺术的直观印象，主张自我表现。这些画派聚散不定，由于各人的行为动机和个性差异，或分道扬镳，或另立门户，或貌合神离，因而很不稳固。以致到了后期，有些人根本上否定艺术本身，强调精神表现，乃至丧失了美的表现和表现美的艺术本性。现代艺术发展至今，之所以还是具有较大影响，原因就在于其中有许多值得学习、借鉴的内容，其所表达的内在含义也受到了现代社会的认可和关注。因为现代艺术是“将被禁锢的人们的思想和被封闭的人们的视野一一打开，让人们认识到艺术的多样化、多重性和多境界。”所以，时至今日，现代艺术还在人们的生活中发挥作用。就服装而言，它对服装的设计风格，表现为一种艺术的纽带之缘。

　　风格一词，现代社会出现频率较高，诸如说话、办事、穿衣等，都可以概括出“某某风格”，它是一种个人特点的显示。艺术领域的风格，是作家、艺术家在创作中所表现出来的创作个性和艺术特色。就目前设计界而论，服装的设计风格，是指在整个作品中所透露出的倾向性的设计个性和艺术特色，它可以是设计师个人的，也可是企业的，或两者兼而有之。

　　“POP”是Popular的英文缩写，意为“通俗性的、流行的”，兴起于20世纪60年代的美国和英国。“波普艺术”，指的是“大众化的”、“廉价的”“、批量生产的”、“年轻的”、“戏谑的”、“商品化的”、“用毕即剖的”、“短暂的”形态与精神的艺术风格，通过塑造夸张的产品造型和比现实更典型的形象，缓解了现代主义的紧张感和严肃感，为休闲享乐打开了便利之门，是20世纪60年代世界设计风格的代名词。在家居、服装复古风劲吹之当今，它又充当了时尚的化身。服装设计中采用光亮材料、色彩鲜艳的人造皮革、涂层织物和塑料制品的大量出现，造型设计突破陈规旧俗，色彩大胆而强烈，为年轻一族、职业女性所喜爱，成了新时代的风尚。波普艺术旨在打破生活和艺术的界限，努力消除艺术中的高雅、低俗之分，开辟了大众化、通俗化、商业化的艺术走向，使各种商业内容、生活用品、日常琐事都可以作为表现的对象，所以，“它与世俗生活的界限变得越来越不明显，常常具有时尚色彩和商业色彩”，这就为包括服装在内的产品开拓了新的空间，以适合大众消费的标新立异、变换口味，而具有积极意义。

　　源于1907年至1914年法国的“立体主义”绘画流派，对服装的影响是巨大而持久的。由法国人保罗布瓦列特向“新样式艺术”繁琐累赘的“S”服装发起的革命性挑战，使服装史就此翻开了新的一页。世界许多著名设计师都不约而同地在立体主义绘画中寻求灵感。早在20世纪30年代，意大利女设计师艾丽莎什帕列里就指出，服装设计应该有如同建筑、雕塑般的“空间感”和“立体感”。日本著名设计师小莜顺子更是被称作“最能传达毕加索作品概念的艺术工作者”。她最擅长几何图案与色彩分割的表现手法，以反映对未来世界的向往。服装大师伊夫圣洛朗在1988年巴黎春夏时装会上，就别出心裁地引用了立体主义画家乔治布拉克画作中的“白鸟”，一大一小、俯仰来去的形式，大有离开人体而独立之势。

　　主要形成和发展于地中海北岸的意大利的“未来主义”绘画风格，强调未来的艺术形式的描绘应带有“现代感觉”，应该能够描绘出现代文明强烈的思维波动、震撼的音乐质感和多维度空间概念。而服装的主要表现形式则是借助外形、颜色感染力和所运用的材质加以表达。新潮的设计师让保罗戈尔捷的宇宙太空系列，外部造型具有独特性，构成形式具有感染力，借助不同类型的材料表现身体的每个部位。安德烈库雷热所创造的诞生于20世纪60年代左右的未来主义风格的服装作品，其外在造型清晰明确、线条感强烈、平面色彩图案和单色部分对比的形象，表现出给大众难以捉摸的“未来”概念。从本质上讲这种风格的服装设计思路，在某些角度上描绘的是“极少主义”，这种观念主张用单纯的色彩构成理念、简洁的结构展现出设计师的艺术表现思想，是以后岁月设计师们一直所奉行的经典。2007年秋冬，未来主义驰骋愈甚，服装界借以颠覆传统的面料应对着明日未来之畅想。

　　这是一个不容忽视、自产生起就不断影响服装设计的艺术流派。它因法国作家布列东在巴黎先后发表的两次“超现实主义宣言”而知名于世，是第一次世界大战后流行于欧洲的一种文艺思潮。其深受弗洛伊德的精神分析学和潜意识心理学理论的影响，宣称在现实世界之外还有一个“彼岸”世界，即无意识和潜意识的非理性世界，并认为这后一世界比前一世界更为真实。他们信奉的格言是，事物的真正面目常常与人们得到的第一印象截然不同，主张“下意识”、“梦幻”、“幻觉”、“本能”是创作的源泉。这一思潮波及范围相当广，影响到服装领域，带出了一种史无前例，强调创意性的设计理念。于是，惊世骇俗的图案、炫目的色彩、高跟鞋式的帽子等超常规的作品，塑料、玻璃、金属制品饰物等，都堂而皇之走进了服装设计领域，以明确回应超现实主义艺术家们的格言：事物的真正面目常常与人们得到的第一印象截然不同。其中，公认为“最具艺术家特质”的是日本的三宅一生，以远东艺术风格和西方主流思路相互结合的一种设计风格，在其1982年诞生的服装作品，整体使用了较为细腻的黑漆布组成，采用竹子材料的胸甲，喷涂上黑漆，造型上强调大斗笠帽和折扇，这完善的日本新女性形象，皆为“超现实主义”手法塑造而成。美国纽约和英国伦敦的维多利亚和阿尔伯特博物馆还举办了超现实主义的服装展览，获得极大成功，惊动了上达世界一流的服装设计大师，下至服装潮流的追逐者。一时间，巴黎、伦敦、米兰、纽约等服装重镇的一流设计师都加入了这一行列。日本的君岛一郎、法国卡斯特巴杰克等，都有作品问世。这种以大胆革新、奇思妙想，于荒诞中见童趣的创作精神，推动了服装设计，使平时看来不可能的怪念头变为现实的作品。当然，议论也在所难免，还引发了服装中的色情主义。拉格菲尔德、洛朗等大师装饰袖口所用的唇形珠宝，就是显例。最早把超现实主义成功地引进服装设计领域的是埃尔莎夏帕瑞莉，她在非理性的服装世界里，突发奇想，把一只高跟鞋倒扣在头上成了一顶时髦的帽子。超现实主义于服装设计来说，最大的功绩，就是发挥巨大的想象力，把本来毫不相干的材料组合成新的作品，激发创造灵感，从而开启新思路，即拓宽服装设计视野的一种新思维方式。

　　服装从无到有，从平面到立体，由简单的形式逐渐演变到今天千姿百态的款式造型，分割在这个过程中起到了不可或缺的作用。分割线作为分割的具象表现形式，在实现服装造型的过程中体现出重要价值。它既能构成多种形态，又能起到装饰和分割形态的作用；既能随着人体的线条塑造出人体体态美，也可以改变人体的一般形态而塑造出新的、带有强烈个性的形态。服装发展至今，其存在的目的己不是简单的蔽体御寒，它早已作为人类文明的象征而被打上深深的文化烙印。分割线作为服装的重要组成部分，也不仅仅只是为了满足服装造型而存在的客观物质形态，它同时又承载着人类对服装的情感寄托，其形态的变化、存在的方式都从不同的角度反映着不同时期人们审美观念的转变。在现代服装时尚化、个牲化、多元化的背景下，分割线更是以其独特的魅力，成为设计师表达个人风格时不可或缺的重要手段。在这种时尚潮流下，展开对分割线设计的探讨其有一定的现实意义。

　　分割作为服装用语，《服装工艺学》中对分割的解释为由连省成缝而形成，兼有或取代收省道作用的拼缝，《基础服装设计》中对分割的解释为服装结构线的一种，又称开刀线，其重要功能是从造型需要出发将服装分割成几个部分，然后再缝合成衣，以求适体美观。基于上述观点，个人认为可以从两方面理解分割：一方面，分割线作为将分割后的衣片进行拼缝时而形成的拼缝线，具有被动的含义；另一方面，当分割线作为现实分割的必要存在时，她就不仅仅只是几何意义上“线”的概念，而是蕴含了设计师对服装的理解后有意识的线，因此，她又具有非常主动的含义。

　　服装分割线根据分割线的线型特征划分可分为：直线分割、曲线分割、螺旋线分割等；根据分割线的形态方向划分可分为：横向分割、纵向分割、斜向分割、放射状分割等；根据分割线在服装上的位置划分可分为：领围线、肩线、腰线、公主线、侧缝线以及袖窿线等。

　　服装分割线的表现形式根据功能性分割可分为：为塑造人体自然形态而产生的分割线；为适应人体运动机能而产生的分割线；为满足服装离体造型空间而产生的分割线。

　　功能性分割线与装饰性分割线的结合，形成了结构装饰分割线。这是一种处理比较巧妙的同时符合功能和装饰需要的线型，将造型需要的结构处理隐含在对美感需求的装饰线中。将分割线的功能性与装饰性结合在一起的结构装饰分割线是分割线审美形式与功能内容和谐统一的表现形式。

　　分割手法：裁剪分割；色彩对比的分割；材料对比的分割；重复、叠加；分割线；编织；肌理；解构；镂空；堆积；拉链，如图1所示。

　　自由分割是分割线设计的常用手法之一。自由分割不受水平、垂直、斜线等分割的约束。在这自由之中，要让人感觉到精练敏锐的美感意识。根据分割线的不同形态，可以将自由分割概括为两类，即自由折线分割和自由曲线分割线的设计方法依次为：自由分割、对称分割、渐变分割

　　对称分割指分割后的图形呈现镜像映射的效果，图形是以中线为轴，水平对称翻转分割线设计采用对称分割要受到中轴线和中心点的制约，对称分割具有严肃大方、安定平稳的特征。使人在心理上产生一种安定、理性、可信任的感受，而分割线曲与直的呼应则更准确的传达出套装柔中带刚的知性气质。

　　渐变分割是指分割线的间隔依次增大或减少，并且在变化中具有动感与统一感的分割构成，具有加速度量的变化的。呈渐变形式的分割线以垂直状、波纹状或漩涡状依次增大或减小，并依靠分割线在数量上不断的增加产生体积感。

　　平面构成中等量分割是指分割后的图形在形状上尽管有所不同，但面积必须相等。等量分割的特征是分割以后的形状互不相同，因此使造型更富于变化，但由于面积上彼此相等，所以视觉上一直被看作是同量的形态，在量上给人以均衡感及稳定感。

　　简洁、帅气、实穿是我的追求。现代女性独有的独立、敏锐时尚的触觉，自我意识非常强烈，她工作时像男人一样独立和智慧但不失女性特有的优雅。追求自我，不为名利所累，我行我素是她们的生活准则。如图3所示。

　　所以，在设计中要充分体现出这种特性。要融合东西方的设计风格，将传统与现代完美结合。在服装的造型上打破传统的设计模式，对服装结构进行重新分割和组合，采用不对称的剪裁、利落的线条以及独特的色调来进行设计，强调面料的独特性和混合性图案的拼贴等。

　　西方现代服装设计理念多是基于结构主义的基础进行创造的，其设计中追求奢华、细腻的特点，传统东方的服装设计理念则是体现在舒适和自由的基础上追求随意性。

　　希望通过分割的运用和表现使这两种不同的设计理念能够有机的结合。来张显现代女性的魅力。

　　分割作为服装用语，《服装工艺学》中对分割的解释为由连省成缝而形成，兼有或取代收省道作用的拼缝，《基础服装设计》中对分割的解释为服装结构线的一种，又称开刀线，其重要功能是从造型需要出发将服装分割成几个部分，然后再缝合成衣，以求适体美观。基于上述观点，个人认为可以从两方面理解分割：一方面，分割线作为将分割后的衣片进行拼缝时而形成的拼缝线，具有被动的含义；另一方面，当分割线作为现实分割的必要存在时，她就不仅仅只是几何意义上“线”的概念，而是蕴含了设计师对服装的理解后有意识的线，因此，她又具有非常主动的含义。

　　服装发展至今，其存在的目的已不是简单是蔽体御寒，她早已作为人类文明的象征而被打上深深的文化烙印。分割线作为服装的重要组成部分，也不仅仅只是为了满足服装造型而存在的客观物质形态，她同时又承载着人类对服装的情感寄托，其形态的变化、存在的方式都从不同的角度反应着不同时期人们审美观念的转变。在现代服装时尚化、个性化、多元化的背景下，分割线更是以其独特的魅力，成为设计师表达个人风格时不可或缺的重要手段。

　　分割线形式的变化直接影响服装的整体造型，对于服装本身来说具有重要意义，是实现服装立体造型的主要手段。服装分割线以结构设计为依托，以其自身的形式美为表现手段，在服装中体现出功能性与装饰性、技术革新与艺术创新的完美融合。现代服装设计的审美需求赋予分割线更多的内涵，并扩充着服装款式、色彩、面料整体形态变化的发展空间，成为服装设计的重要手段。服装分割线是设计师的艺术理念和高超技艺的完美结合，是功能与审美的统一，更是科学与艺术的融合。本文以此为背景，文章从服装分割线的概念与表现形式出发，分析服装分割线与服装色彩、材质、款式之间的关系；最后引出分割线在服装设计中的可行性和创造性。

　　分割自身具有认识新空间和运用新空间的价值，恰当的分割可以更好地结合与重组。通过分割，可以使服装作品获得更新、更完美的利用空间。在服装结构设计中，各种分割起到承上启下的作用。分割属于服装结构中的一种，它是一种服装造型的手段，衣料衣片可分，要分得有目的；亦可合，要合得有道理。分割是接连面和面之间的纽带，是搭建起面和面之间的桥梁。

　　分割线在服装设计诸构成要素中 ，起着承上启下的作用 ，它运用省及其他内结构形式对面料进行再造 ，使面料完成了从两维到三维空间的转变 ，同时还利用各种装饰形式以及交叉、扭转、色彩对比、渐变等构成手法丰富了服装设计的内涵。 如图4所示。

　　分割具有实用机能性，更重要的是它对整套服装具有不可忽视的装饰作用.在进行服装设计时，不同的分割可以调整从服装局部到整体的重新创造，是达到服装形式美的一种方法。分割在“解构主义”中也有不同风格的体现。单从字面上理解，“解”字意为“解开、分割、拆卸”，“构”字则为“结构、构成”之意。“解构”则引申为“分解之后再构成”。

　　如Hussein Chalayan所展示的用不同材质的设计，由LED制成的裙子，视觉上形成分割，如图5所示。由解构形成的分割， 如图6所示。

　　分割是服装设计中常见的一种造型形式。通过分割线对服装进行分割处理，可借助视错原理改变人体的自然形态，创造理想的比例和完美的造型。服装结构的新创意，就如同把那些对称的、有规则的、格式化的东西，交叉、扭转、错位、颠倒，使它不对称、无规则和非格式化，反而能推陈出新，找到意想不到的变幻与动感之美……

　　[1] 张文斌.服装工艺学[J]，北京：中国纺织出版社，2001：94-95

　　[2] 刘晓刚.基础服装设计[J]，上海：东华大学出版社，2003：193.

　　[3] 李当歧.服装学概论[J]，北京：高等教育出版社，1998：230.

　　[5] 中泽愈著，袁观洛译.人体与服装[M]，北京：北京中国纺织出版社，2004：102-104.

　　[6] 吴士元.服装构成基础[J]，黑龙江：黑龙江教育出版社，1995：89-92.

　　[7] 张竞琼.中外服装史对览[J]，北京：中国纺织出版社，2005：23-24.

　　[8] 刘晓刚.基础服装设计[J]，上海：东华大学出版社，2003：193-194.

　　[9] 刘元风.胡月编著.服装艺术设计[M]，北京：中国纺织出版社，2006：l44.

　　[10] 贾京生编著.服饰色彩[M]，北京：高等教育出版社，2002：1-2.

　　[11] 刘晓刚.基础服装设计[M]，上海：东华大学出版社，2003：19.

　　“现代主义犹如一架晚到的班机，后现代主义犹如一架早到的班机，它们同时停留在中国这个大航空巷里面”。（包铭新）正是这架提前到来的班机为我们提供了更多的选择，迎来了一个风格多元的时代。

　　随着后现代主义的逐渐风行，各种领域相继出现了后现代的说法，如后现代风格的建筑、后现代风格的服装、后现代风格的雕塑、后现代风格的绘画等等。要构成后现代主义的美学特征，主要依靠解构、风格泛化、折衷与综合、戏拟反讽、超现实主义等手段来达到这样的效果，作为后现代主义的典型风貌出现的解构主义——现今许多人喜欢采用的设计形式。那么，解构主义到底是什么？

　　解构顾名思义就是解开、分解、构成。解构主义（Deconstruction）一词正式出现在哲学范畴内应该是从1966年德里达在美国约翰·霍普金斯大学人文研究中心组织的学术会议上的讲演开始。当时36岁的德里达把矛头指向结构主义，对西方人几千年来所崇拜的确信无疑的“真理”、“思想”、“理性”、“意义”等打上问号。为了正真理解什么是“解构主义”，就要先了解结构主义。结构主义是本世纪前中期有重大影响的一种哲学思想。结构主义哲学所说的结构指的是事物系统的诸要素所固有的相对稳定的组织方式或联结方式.结构主义强调相对的稳定性、有序性和确定性。然而结构主义的问题出在：没有任何结构是一成不变的。人们指出结构的稳定性是不存在的。德里达从这种观点引发出去，大作文章，他指出语言系统的能指与所指是有偏颇的，是脱节的。因而，他开启了一个“解构主义的时代”。认为“传统的形而上学的一切领域，一切固有的确定性，所有的既定界线，概念、范畴、等级制度，在他看来都是应该被的。”

　　解构主义作为一种服装风格，如同欧美各国所流行过的其它服装风格一样，在20世纪70年代兴起，在80年代传播，至今还保持着对世界服饰文化的广泛影响，它有着深刻的社会、历史和思想文化根源，充斥于哲学、社会学、文学艺术、心理学，以及实际生活本身。在反体制思潮和反传统运动大背景的冲击下，解构主义服格开始在世界服装流行舞台显露，并极大地丰富了世界服装文化。直线剪裁时装的流行，使日本的一批设计师有机会进入国际时装界，改变了当时巴黎高级时装的流行风貌。

　　1、 对着装概念的解构.对着装概念的解构是将服装视为既有实用性，又具审美性，即可将服装作为商品，也可将服装作为艺术品来欣赏。如果作为艺术品，即审美性大于实用性，可将实用性与人体的穿戴关系不作为主要思考因素，而将时尚元素分解成任意的形状，突破构成服装款式的基本结构进行重组，以较为极端、夸张的造型手法改变和丰富人的视觉。

　　2、对服装结构的解构.服装结构是构成服装造型的基础，通常以人体为标准，对面料开片、切割，组合成符合人体活动功能的款式和造型。而服装结构的解构以打破常规原型结构 ，或完全不按传统服装原型的分割法裁片，组合在一起，形成在结构上的不同寻常的，打破旧的秩序，再重新构建新的观点。对服装结构的解构，需要整体结构的控制能力。

　　Chalayan具有Turkish-Cypriot血统，被业界称为英国时装鬼才。Chalayan的作品常常表现的是一种概念，他将设计的理念推到雕塑、家具或建筑的高度。当越来越多的设计师沉迷于奢华与媚惑时，他始终保持着自己一贯的设计风格。Hussein Chalayan在他的生涯中进行过许多试验，比如把衣服埋葬在花园里看看他们是如何腐烂的，或者设计出无袖和无袖窿的绷带服装。但是他却将奥妙的品味同商业的气味清醒地平衡起来，创作出来的服装惊人得平易而受到市场的欢迎。2007春夏季，Hussein Chalayan在“101”系列中将机械装置安置进了服装：5套登场的裙子，分别代表1906年、1926年、1946年、1966年和1986年的女装风格，它们各自通过自动机械，“进化”20年。比如最先登场的维多利亚风格的裙子，原本长至脚踝的裙摆收短至膝部，箍紧的领口被放松至锁骨，而短袖则“退化”成无袖，这30秒内简简单单完成的转变，却花费了人类20年的时间。一场秀结束后，最终回到2007年的当下。

　　Rei Kawakubo是少数有能力把让人厌倦的元素转换为令人迷惑的时装的设计者之一，在1997年的春夏时装会上有一个令人难忘的极端主义时装：一个模特前面的巨大鼓包让她看起来像是已经怀孕8个月了，别的模特身后像有巨大的肿瘤，若干模特似乎是像捆绑的德国香肠，布料是普通的格子棉布。

　　解构主义服装风格以东方的设计理念为基础，关注人与自然的和谐性，给穿着者二次创造的空间。解构主义服装风格，常常将审美主体与审美对象合二为一。服装的穿着者与服装一起组成审美对象，同时又成为第一个和最重要的审美主体。它在打破西方传统服装形制的同时，也打破了传统时装对服装创作目标的理解.解构主义时装，与西方传统的设计思想相反，它并不仅仅是人的第二皮肤或仅是塑出优美的形体，而是将穿着者与设计过程相结合，由穿着者自己体悟和展现作品的过程。人们已经注意到这种不同以往的时装，以及这种时装带给消费者的不同以往的乐趣。这种解构主义服装正猛烈冲击着世界服装行业，而且愈演愈烈，飞快地蔓延到许多服装的“二线品牌”和亚洲本地品牌中被广大年轻的消费群体所接受。

　　解构主义服装是一种充满个性化的时装风格，其造型因分割、组合、断裂以及拼贴造成的非服装结构上的矛盾和冲突使服装显得越发的沉厚、隐秘。从技巧来看，这是一种尝试使多种服装表现技巧及手法并存、并进的创作。（作者单位：武汉理工艺术与设计学院）

　　书籍装帧一词作为专业用语，在我国已经使用很长时间。上个世纪以来，在大多数人的心目中，书籍装帧只是对书籍的封面进行美化设计，这种理解使得书籍装帧变成了封面设计的代名词。过去在中国，书籍装帧之所以只停留在封面设计上，是由于当时的社会发展状况和经济，以及环境的制约，同时也因认识上的局限，使得设计师无法参与书籍的整体设计。并不是装帧本身一词在概念上存在局限，应该说书籍装帧的含义已经包含了对书籍各部分的设计。

　　随着现代社会的进步以及科技的发展，人们对书籍的设计也在发生着巨大的变化。这种变化首先表现在制作书籍的材料发生了变化，新出现了许多新颖的纸张以及新型的特种材料；其次，书籍的内涵发生了变化，传统的以文字为主的书籍逐渐被图文并茂的现代书籍替代，而且现代书籍的形式多了，有了电子书籍、游戏书籍、概念书籍等；再者，读者的观念变了，现在的读者更加讲究书籍的外在品质了。以上种种原因使得书籍装帧从内到外都要有创新和变化。装帧概念的内涵也随之有了新的需求。本文对书籍装帧概念的认识从以下两方面进行。

　　装帧一词的使用在中国已有近百年的历史。据记载，装帧是丰子恺先生在上世纪20—30年代从日本引进的。当时的“装帧”是指将纸张折叠制作成帧，由多帧装订起来，附上书皮的过程。而在更早的时期，中国的先辈们还没有将“装帧”一词合在一起使用。我们分别对“装”和“帧”进行认识：“装”在《大辞典》中有十四种解释，其中第十种是“书册装订的形式，如线装、精装”；“帧”在《大辞典》中有三种解释，其中第三种是指“量词。画一幅，相片一张，叫一帧”的意思。“今人以一幅为帧”。①这说明从明代就已将书籍的内页用帧来计算。通过以上的认识，可以感受到“装”“帧”与书籍的紧密关系。同时，古人常将装订作装帧使用。如清代《藏书纪要》中对装订这样陈述：“装订书籍，不在华美饰观，而要护帙有道。款式大雅，厚薄得宜，精致端庄，方为第一。”②这里的装订就是装帧。

　　近现代的一些书籍都对装帧一词做出不同的解释。《汉语大词典》中对装帧的解释：“指书刊的封面、插图等美术设计和版式、装订形式等技术设计。鲁迅《书信集·致增田涉》：‘《中国小说史》豪华的装帧，是我有生以来，著作第一次穿上漂亮服装。’巴金《沉落》：‘而且每一本书的装帧都是很考究的。’”从这里就能看出，通常意义上的装帧已经包括了封面设计、版面编排、印刷装订等。《中国百科大词典》中对装帧设计也有非常翔实的解释：“装帧是对图书的整体形态的规划，即图书在成型前为其装帧活动提出的设计方案和草图。图书装帧设计分美术设计和技术设计两部分。前者主要是围绕封面，对书脊、扉页、插图及题花、尾花等方面进行艺术形式的创作；后者是指版面的排印格式，用料及装饰方式等，两者形成一个和谐的整体。”这是一个完整的书籍整体设计过程。

　　最近30多年中，有一种观念认为，装帧一词已经不能适应书籍的设计与制作，要用“书籍整体设计”“书籍设计”等说法替代，因为这些观念认为书籍装帧的概念过于狭窄，这是对装帧概念的误解。正如前面看到的，装帧本身在范畴上并不存在这样的局限，装帧已经包含了对书籍各部分的设计。而且，频繁的更新概念名称虽可能会体现一些新的见解，但随着时代的更替，这种新意也会很快过时。而历史却会因为频繁的更新而消失痕迹，这不仅造成概念的混乱，也使得概念缺乏自身的历史特征及民族特性。可以通过重新定义书籍装帧的含义，来适应新时代书籍的设计的需求。更重要的一点是不要拘泥以往的装帧概念，而应时时更新它的内涵，这是书籍装帧实现自身进化的一个途径。

　　“书籍装帧”一词从《梅里亚姆-韦伯斯特大词典》中翻译过来为“Book Binding”。“Binding”有多层意思，有捆绑和粘合之意；也指（书的）装订、装帧的意思。另外在《梅里亚姆-韦伯斯特大词典》还能看到与“Binding”相关的词语如：“平装 paper cover binding、 精装 hard cover binding、活页装 loose-leaf binding”。因此，在英国给书籍做具体的设计，通常都使用“ Binding”这个词。“ Binding”和“装帧”这两个词汇都是具有行业特征的专业词汇，都恰当地表达了书籍的构想与制作的概念。

　　对书籍的装帧是不能与书籍分离开来经营的，装帧即是书籍的一部分，是书籍的脸面，并内含着身体的各部分，是浓缩书籍的精华内容并直观表现于装帧之上的。“书的脸即书的内脏功能的表现，包含两层意思：第一层意思是在书本身的内容和结构中表现的东西，对于读者来说是从外部看不见的部分，将它提取出来，赋予‘造型’，让它动起来，充满生机。这是第一张脸的意思；第二张脸触及更大、更深的东西，即文明和文化的根。寻觅今天文化底层潜藏着的文化古层，文化的根。这是第二张脸的意思。”③杉浦康平先生将书籍的第二张脸喻作书籍文化的根，这给书籍装帧以很深的内涵。同时，也是对书籍装帧提出的很高的要求。

　　现代的书籍装帧概念的理解不再是单纯的书籍制作，更不是狭隘的封面设计，它是一种由内至外的书籍整体构想与制作行为，其范围既包括对未来书籍形态的探索，也包括对现代书籍工艺的创新。现代社会的进步、科技的发展以及人们观念的更新等，都大大促进了书籍材料、书籍印刷、书籍装订工艺的发展，更触动了书籍装帧的文化底蕴的表现。

　　现代书籍装帧的范围在逐渐扩大，并且更加具体。它不仅涵盖了最初的书籍形态的策划，还包括开本的选择、封面和扉页的设计、正文内的版式编排和插图设计，以及后期的印刷和装订等。同时，现代书籍装帧还大胆地更新以往的表现形式、制作工艺和使用材料。面对现代的书籍，不仅要升华其外表形式，也要更新内在的气韵。在将书籍的信息内容文本转化为二维或三维（虚拟）视觉形象的时候，装帧不仅要赋予字体、图形、色彩等新的视觉元素，还要赋予书籍更深层次的文化内涵。现代的书籍装帧不仅在外在形式上不断发展更新，内在的气韵与文化底蕴也在逐渐延展与深化。

　　设计（Design）一词字面解释为设想和计划的意思。在《汉语大词典》中设计有两种解释：“①设下计谋。《三国志·魏志·高贵乡公髦传》：‘赂遗吾左右人，令因吾服药，密因酖毒，重相设计。’②根据一定要求，对某项工作预先制定图样、方案。”从本质上看，设计是一种思维方式，是对人类生活各方面进行规划和计划，是一种创新的思维过程。设计是在各种条件和限制中进行的一种有目的的创造性行为。设计的大致内容包括计划、构思、传达、应用。所有的设计内容都基本如此，无论是复杂的宇宙航空器或飞机汽车等工业设计，还是简单的包装或广告设计。

　　自上个世纪以来，设计作为一种新生事物，充斥我们生活的每一个角落。对“设计”进行分类，可分为：建筑设计（包括室内外环境设计等）；工业设计（包括产品设计、家具设计、礼品首饰设计等）、平面设计（包括包装设计、广告设计、书籍设计、插图设计等）、服装设计、纺织品设计、动画设计、数字媒体设计等。书籍设计就是其中的一项，它和工业设计、建筑设计一样都属于造型艺术的范畴，都是根据需要做创新的造型构想，并运用于社会实际中。所以它们在设计程序上都有相似之处，都需要经历最初的策划到最终的应用。接下来，我们试着对书籍设计的概念从不同角度去认识和分析，从中体会书籍设计与书籍装帧的区别。

　　最早提出“书籍设计”这一概念的是杉浦康平先生：“我从20世纪60年代中期就已经着手于书籍整体设计，包括内文编排、文字、字体、字号、标题、目录、扉页、封面、函套、腰带到版权页的设计，并对所有用纸、材料进行选择，设定印刷装订工艺，进而连书籍的宣传品种也成为设计的对象。以上‘书籍设计’概念的提出、实现和确立的过程，曾发生各种各样的冲突，以及理论上、技术上的争执，不过最终还是被大家理解了。”现在的书籍设计已经不是设计者或插画家个人所能承担的，还需要参与从选题策划到成书为止的整个过程的所有参与者的共同努力。因此说，书籍设计是指包括书籍选题、书籍形态、书籍版面，以及材料工艺等的一系列设计，是一种创造书籍整体视觉形象的设计活动。

　　在书籍设计中，不仅要将平面的版面设计结合三维的立体形态设计、材质设计和印刷工艺，还要将与读者的互动注入到书籍设计之中。这种书籍设计概念强调书籍中各种元素的集成与合作。即书籍设计作为一个大的构造学系统，由各个子系统构成。它一般包括书籍形态、书籍视觉元素、书籍材料、装订形式以及书籍所要传达的视觉风格，等等。

　　书籍设计作为一门具有商业行为的造型艺术，它的概念中还包括了书籍的营销，这是从书籍作为特殊商品的角度去认识书籍设计的。书籍是人类精神生活中不可缺少的特殊商品，这种特殊商品既注重知识文化的传承，也注重现实生活中的物有所值。因此，在书籍设计中，必须要考虑读者对象。“书籍设计就是以书籍的销售方式和读者为基础而进行的书籍设计活动。它也称综合设计，是关于书籍的性质、印制、销售等图书设计相关因素的协调和技术性规划的实现。”④可见在书籍设计中，是不能避开销售不谈的。书籍的目的是为了供人们阅读，人们读书是为了从书籍中得到自己能力所不及的信息和自信。因此，书籍设计一定不能脱离书籍的这一主要功能而设计。书籍设计不仅要将“人们的精神文化市场”作为书籍选题规划的起点，而且还要运用现实的商品市场需求来辅助书籍设计的具体构想。

　　书籍的营销活动是出版行业为满足读者心理以及掌握市场需求而展开的一系列的活动。这些活动包括市场的调查、分析、研究及预测，还包括书籍成型后的销售宣传。实际上，加入营销概念的书籍设计，更强调书籍设计的系统性。在这个系统中，除了对书籍的整体装帧，还有对书籍的选题定位和对书籍的宣传与销售，以及与读者的互动。对书籍选题的定位是指针对不同的读者群体，给书籍确定一个市场范围，并根据选题的需要确定书籍的装帧方向，寻找契合读者群体的书籍装帧风格，以此来带给读者细致入微的体贴与关怀。所以，在书籍设计的概念中，融入营销观念的模式之后，使书籍设计更具系统性，也更具功能性。在这种强调系统与功能的书籍设计中，随之而来地出现了更高形式的品牌化的书籍设计。

　　综上所述，书籍设计的概念是指对作为一种精神产品的书籍，进行的整体策划与设计制作，以及营销的过程，而书籍装帧是其中设计与制作的部分。因此，书籍设计具有显著的综合性。这种综合性表现在它的过程包括：第一，选题的定位，这是书籍的策划部分；第二，营造书籍外在的形态以及经营书籍内在的信息，这是书籍的装帧部分；第三，书籍的宣传与销售以及与这本书周遭环境的协调，尤其是与读者的互动，这是书籍的营销部分。因此说书籍设计作为设计的一个门类，不只是对一本书籍进行的创造性行为，它还包括了与这本书的周围环境的和谐共生。书籍设计在表现书籍所固有的精神性、人文性、创造性的时候，将书的精神与人的思想通过设计这座桥梁嫁接起来。

　　书籍设计与书籍装帧是两个并不矛盾的概念，梳理它们的关系有利于对书籍艺术理念的认识。书籍装帧是书籍设计中的一部分，书籍设计是一门综合性的造型艺术。随着时代的跨越，书籍设计与书籍装帧的概念都将不断地深化，并将不断超越它们原有的内涵。

　　[2](日)杉浦康平.日本现代图书设计.生活·读书·知识三联书店，1999.

　　自一战起，由欧洲一直引领的作坊式高级时装定制形式进入到成衣化制作期，之前不计成本的高级时装转变成低价格、周期短的批量化生产。与此同时，伴随服装业的不断改革，呈现出大众化、平民化、商业化的特点。快时尚是一种以服装为主线的快速消费模式，即上货时间迅速、与时尚紧密相连、便宜。当前的中国，特别是大城市，快就成了一种无法回避的潮流。

　　慢时尚和快时尚是相对而言的，也是设计的一种，有着自己的实用性及个性。慢时尚是一种追求与自然的和谐的生活方式，在时尚的领域当中，用更高的品质生活要求对待一切行为和事物，关注当前的城市生活。可以说，慢时尚是一种生活方式，同时也是一种态度，更是一种能力的表现。“慢”需要用心去体会，但并不是懒惰，也不是去拖延，而是让人们可以在生活中找到相应的平衡点。

　　慢时尚可理解与是一种更加理性的设计方法，其在某个程度上是准许设计师去表达自己的所想，并不是单纯的跟风或是在流行间徘徊。慢时尚要求设计师以更多思考的态度对产品进行设计，同时以生态为基础，以环保价值为前提创造出可持续发展的环境。追求人、自然的和谐统一就是慢时尚核心的本质特点。

　　在一定程度上削弱人类中心主义对于环境和人类本身的危害。在使用年限和生产数量上强调最大限度对资源进行合理的运用，最大限度避免浪费。尽可能地延长衣服的衣年轮，强调持久，风格要永久并且有修改，难以复制并且是独特的。

　　这和可持续设计、情感设计、环保设计等有着相似的地方。但更加具有激进的视角和姿态。慢时尚有着明显的循环特点，怀旧式时尚对于逝去的生活怀念对于当代人来说，也极具新的意义。所以可以说“新”是慢时尚成型的一个必要条件。而新奇、颖、潮都是其发展的源动力。

　　设计灵感的来源是多元化的，其出现是创造性思维活动的一个结果，而创造性思维是对原有的知识、经验的一个分析、整理、重组的过程。设计师可以从多个角度中去获取灵感，比如：音乐、自然、建筑、风俗等等，进行多方位和多层次的发掘。从灵感中提取的设计元素是服装设计思想的动力，设计师们把这一些基本的元素通过概括、创造、选择、重新组合，通过这一过程所产生的思想来进行设计。多角度的相互交织并发现设计的构思，可以确保作品设计明确的主题，正确掌握好品牌风格，让设计可以完全根据消费群体的生活方式进行。当设计的灵感的来源确定之后，在慢时尚设计观的引导下，作品构思需要根据当前社会主题和服装流行形势，综合时尚的预测、设计原创或是流行的信息，得出设计概念，同时结合好人文、社会印象、历史以及设计师自己的美术品质，把这些内容都融合在一起，重新创造出可以更加吸引人们的作品。这也是慢时尚理念设计作品的过程，和所有的时尚作品一样，只是慢时尚设计更注重环保和独创性、艺术品味性。在慢时尚设计的过程当中，应该要对当前的时尚需求进行分析，同时与时尚形势以及未来的发展方向相融合，将流行元素的中心提炼，同时运用到作品当中。例如，以休闲装设计作品“锦囊妙计”为例，这一个词源自《三国演义》第54回的精彩故事。锦囊妙计的本意是指在锦囊中放置妙计，此作品用这些来形容作品的设计理念。当前旅行成为了广大群众喜爱的休闲活动，但是旅行途中的行李成为了负担。为什么不能将这些行李化成为服装上的一个“插件”，将所需物品放置其中，就可解放双手，同时实现装、拆一体。所以，以此为基本，一件衣服可有着多元化的搭配与方式，在一定的意义上让一款服装可超载多款的价值。还选用环保纯棉料子，有利造型又舒适，可以降解并减少污染。不单体现慢时尚追求环保性，同时有着原创及独特性。同时，慢时尚设计理念重点在于展现服装的情感化，重视服装和人的情感交流。以婚纱设计作品“Q”（化名）为例，婚礼是一个浪漫、神圣的地方，新人都盼望着爱情的永久，白色一直都是忠贞、纯洁的代表，而玫瑰则是爱情的结晶升华。此作品的灵感来源白色玫瑰含苞的姿态，露珠由内而出，展现在玫瑰花瓣上，配合花得，超凡、清新。“Q”是由内而生的气质展现，并结合当前流行的珠子饰品，形成了一种罗曼蒂克的风格，以此证明了婚姻圣洁和新娘的坚贞。

　　款式是设计师的一种语言，也是物化的表现。首先是对于面料的选择。面料选择一定要和设计的理念达到一定的配合度，同时要符合慢时尚设计观。而且面料艺术再造是慢时尚服装设计理念创意表达的另外一种模式，运用现有面料进行再造设计形成不同的肌理效果和视觉感受，丰富其设计的语言。但是，慢时尚设计理念强调设计成熟性，面料艺术再造要与服装风格、设计的理念有机结合。而且还要注意的是款式的开发、选择不是一步而成，而是要由设计师经过不断修改，并听取别人的意见而逐步形成的。设计不是设计师个人的喜好或是情感的表达，而要是遵守目标群众的审美共识。

　　为何我们的服装企业大多以来料加工的劳动密集型产业模式为主?为何我们的服装市场品牌众多但产品大同小异、似曾相识?为何我们同一班级的学生除了享有共同的专业之外还享有相似的作业内容?是什么束缚了我们的服装设计师与初学者的脚步?

　　必须承认的是设计教学中的许多理念来自于纯艺术的教学经验，艺术与服装设计之间有许多相通的审美标准，注意艺术与设计之间的转换是设计教育不可忽视的问题，国内大多数高校都已注意到这点。但是，服装设计的法则可以来源于艺术，服装设计的起点却不应仅仅始于艺术，其存在于我们的生活环境、整个世界的各个方面。如何将听到的、看到的、触到的、甚至闻到的转化为最终的服装，当中应经历怎样的过程，是现有服装设计教学少有涉及的。

　　设计的核心是以人为本，这是绘画、雕塑等艺术无需考虑的问题，如何使设计作品既能美化生活，又能体贴照顾人们的需要，将抽象的概念与具象的设计结合，是设计思维所能解决的问题，而非几条审美法则或工艺技能所能帮助。另外，服装发展到今天，从款式到色彩再到面料，都经历了历史性的变革，却终究离不开对人体的考量，离不开衣领、衣袖、裤腿等基本结构，这都是由服装的功能性决定的。如何在相对固定的服装元素中赋予服装特别的意义，服装设计创新的关键也是要通过灵活的设计思维来达到。由于思维的过程是独一无二的，也就赋予服装独一无二的生命力。因此，是时候反思传统的服装设计教学模式了，在提倡培养学生的美学、技能之外，应更加追求设计思维的训练，让他们学会如何寻找灵感，发现灵感后懂得如何将灵感转化为设计语言――服装设计的语言和设计说明的语言，在创作过程中慢慢经历每一步。服装专业的“设计过程”教学理念正是强调设计思维的重要性，重视服装设计创作的过程。与以往的设计课程最大的区别在于，教师对这类课程作业的评定不再局限于设计结果，学生在寻找灵感、搜索图文材料、构思草稿甚至拟定规划书时的表现也将作为重要参考。教师与学生一同目睹服装从轮廓到细节、从简单到丰盈、从思想碎片到设计整体的全过程。并且在这一过程中，还可以从侧面搭建服装设计与生活、艺术、科学等其它领域之间的桥梁，鼓励学生大胆想象，严谨设计。

　　“感”是创作的开端与经历，学生应经常触物生情，有“感”而发，在设计过程中感受服装、享受过程，“感”的过程奠定了感情基础与个性化因素；“合”是从感性的发散思维到理性的思维整理，“合”不是简单的拼凑与叠加，而是各种非服装元素转化为服装元素的过程；“设计过程”还包含语言表达与服装表达的参与，促使师生之间、合作者之间形成互动关系。这种服装设计过程教学的目的在于使学生们不仅在工艺知识、技能学习与工具操作方面有理可循，而且在设计思维环节也有法可依。

　　作为服装设计师，应该具备比常人更多的感性细胞，做到有感于物，有悟于心，因为创作灵感常常就隐藏在生活的点点滴滴之中。但是，感性思维的缺点是容易被理性的事物所干扰、修饰、掩盖，使得人们变得麻木，因此需要特意地训练服装设计初学者的感触、感觉、感想。强调服装设计创作中有“感”而发，不仅要求学生对服装材料有敏感的触觉，了解面料的种类、成分、质感等，还要动用其它感官从不同侧面介入对服装的分析。力求让设计的思维扩展开来。许多人都有这样的体验：红色使人联想到火焰、流血和革命；绿色使人联想到田园、宁静和生命；而蓝色则使人联想到严肃、淡漠和寒冷。尤其是有绘画基础的人，这种感觉更为强烈，这便是“通感”的作用。

　　通感又称通觉、联觉、移觉或连带感觉，是指从感知、表象到意象形成过程中的各种感觉挪移、转化、渗透、互通的心理过程，通感可以同时引起多种感官的活动。借助这一原理，让学生在设计初学中尝试通感的体验，有助于培养他们的设计敏感度。服装设计中存在许多通感的现象，例如对熟知时尚的人士提出几个设计细节的名词便可以在脑海中形成一定的形象：黑色带边帽、印花深色T恤、皮质窄腿裤、摩托车风格，眼前马上浮现的便是“硬女郎”风格；然而宽边草帽、乳白色吊珠、吊带连衣裙，又立刻换作浪漫的“田园”风格。可见，服装要素的暗示、细节的衬托，会带给服装别样的风貌。这就需要对生活的观察与感受，也摆脱不了与绘画、雕塑、音乐等艺术领域千丝万缕的关系。熟知服装的基础知识，对各种艺术触类旁通，甚至融会贯通，这样才能在创作中左右逢源，得心应手，游刃有余。

　　“感”的体验可以从形态、材料和功能三方面着手。教师引导学生将形态、材料和功能的概念从服装中抽离出来，将三者之间、三者与服装之间的关系打散，这样，抽象与具象之间便可以更为自由的置换，根据学生自身的思维将元素重组，重组过程中，许多原有的概念引发与其他相关事物的联想，有助于赋予服装新的意义与设计起点。

　　首先，要加强对服装形态的感受。对此，每个人侧重点不同，有人注意的是服装顺应人体而表现出凹凸有致的线条；有人注意的是各个服装部件块面的拼接关系。曲线的轮廓与体贴、柔美等概念相同；块面拼接与机械、牢靠等概念相系。再联系与体贴、柔美或机械、牢靠等概念相关的其他事物，用以表现服装，如水纹的柔美和山石的坚硬，由此可以设计出独特的水形花纹或块面层次，这些服装表现都源于开始的概念联想。其次，还要加强对服装材料的感受。之所以说“服装材料”，而非“面料”，是因为材料的范围更广，在现代科学技术高速发展的今天，许多非传统材料也用于服装制作之中，打破了原有面料分类框架。而且，对面料的开发就应放远眼光、拓宽视野，例如PVC面料的广泛应用，正是来自于设计师对金属的迷恋。在此方面可以训练学生进行面料的二次加工，特别尝试用非服装用料进行改造，或利用现有面料模仿特殊效果，使其充分发挥想象力。

　　最后要加强对服装功能的感受。例如将美观、保护、体贴的概念从服装中脱离出来，可以发现他们并不仅仅用来形容服装的功能，地球、蜗牛壳、雨伞都给我们这种感受。许多仿生学服装、环保服装等就是从功能角度发现服装的创新点。我国在设计“飞天”航空服时，从灵活的角度出发，便借鉴虾的

　　构造，将肘部设计成节状结构，使得服装安全而不妨碍科研活动；还有新型泳衣的设计也是从速度的概念入手，研究鲨鱼成为海洋游泳高手的原因，根据其皮肤表面的鳞状结构研制出“鲨鱼皮”泳衣，从而帮助运动员有效提高泳速。

　　“感”的体验是在寻找设计理念与设计造型之间的结合点，也是发现灵感、发散思维的过程，使学生认识到事物的特点不是只有单一的解释和常规的定义，让他们的思维更为灵活，思路更加开拓。

　　“感”的体验促使学生思维呈现出向四面发放扩散的状态，从各个角度去审视和挖掘服装的内涵。这一过程鼓励学生善于捕捉灵感，标新立异、异想天开，从平时司空见惯的事物中发现美与新意。然而，思维应该有“放”也有“收”，感性与理性相结合。在收集了大量的资料和产生许多的构思之后，需要进行的是筛选和总结工作，对各种信息进行梳理、分析，充分了解它们的关联性，从中发现创意的闪光点，将思维的碎片与服装元素整合起来，形成完整的设计，这就是“合”的过程。例如一个震动我们灵感神经的场景――一抹夕阳余辉使得缓慢转动中的一排排转经轮(一种用于祈福的宗教器物)散发出更为金黄的光芒，闪耀着神秘的经文，让人感受到藏传佛教的神秘，体会到时间在这片神圣土地上的流逝，宗教在此被寄予的殷切祝福与希望。然而如何将这种心灵感受转换到服装中呢?这就需要发挥“合”的能力，将灵感与掌握的服装知识相结合。在这一设计中，转经轮反射的光辉可以用金属感的面料织物表现；速度、时间流逝的概念可以是服装上流畅的分割线；闪耀的经文则可以被直接演化为图案，为服装增添浓烈的民族风韵。

　　“合”的过程中，首先要“合”得有技巧，设计师既要面面俱到，考虑周全，还要有主次之分，有突出也有忽略。就服装的三大要素而言，款式、色彩、面料，突出着重想要表现的部分，其他方面相应的轻描淡写。例如简洁的色彩可以体现复杂的款式结构；单一的面料可以突出繁缛的图案。第二，要“合”得有质量，这就要了解国际水平，关注流行趋势的动向，根据流行色、流行面料信息的对设计进行调整。例如要设计一系列表现“硬女郎”形象的服装，从电影《Batman Returns》的CatWoman、《Mr.&Mrs.Smith》的Angelina Jolie、Madonna演唱会、摇滚女歌手SiouxsieSioux的朋克形象中可以抽取黑色、白色、银灰色、金属色、深褐色、大红色等和对面料的粗略设定，再参照当下流行色、流行面料的趋势，对色彩进行调整、增加或删减，挑选流行的PVC、大眼网纱等面料，从而衬托“硬女郎”高贵而冷艳的风格。第三，要“合”得合理，根据消费群体的文化背景、生活环境和生活方式对服装作相应的改变。

　　“说”包含图形表达与语言表达。一方面，借用图形阐述设计理念，对创作有指导作用；另一方面，设计工作常常是团队性合作，需要面向同事、客户表达自己的设计观点，此时“说”就成为设计师必备的技能。语言表达是国内学生的弱项，原于刻板的教学模式，学生默默地完成作业，教师默默地批改作业，学生与教师只是机械的“收、发”关系。培养学生“说”的能力，既要改变学生的听课方式，也要改变教师的授课方式，促进师生之间的互动与思维摩擦。

　　绿色设计也称为生态设计。绿色设计是指在产品的设计中，充分考虑对环境的影响，在充分考虑产品的功能、周期和成本的同时，优化各种因素，使产品对环境的负影响减到最小，各项指标均符合环保的要求。而在服装设计中，“绿色设计”则是指考虑服装的着装对象的具体感受以及服装本身的环保、健康、可降解概念在设计中的应用。

　　作为四大文明古国之一，我国历史发展悠久。同样在很早以前就出现了现代意义上的“学校”――私塾。在我国古代，私塾制度十分严密，也要求学员统一身着同等样式的服饰，这便是早起的“校服”了，到民国时期，中山装样式的校服更是广为流行，甚至引领了当时的服装潮流。再到21世纪，我国的校服事业的发展非常迅速，但是据笔者调查得知，当前我国校服设计和选择上还是出现一些不足的地方。

　　首先，当前我国的校服款式较单一，多以运动款式为主，不能很好地体现出当代学生应有的活泼好动、生气勃勃的特性。此外，中国的校服在男女生间差别较小。 其次，中学生的活动比较多，因此对校服的质量、透气性、吸湿排汗性有了更高的要求，所以我们的校服的质量也有待提高。最后，设计师应该和学校应多多听取学生的意见。

　　简约主义是“绿色设计”理念中重要的组成部分。国际知名品牌香奈儿和纪梵希的设计风格均是简约派。简约主义遵循“less is more”的设计美学，这就要求设计师在校服设计时必须从最简单的前提出发，用最为简练的设计手法去表现服装的美感。去掉繁琐累赘的形式，突出衣服的机能性，以表现简约、大方的风格。这也能很好的折射出我们国家新一代学生的积极向上的良好形象。

　　中学是中学生生理和心理发展成长的关键阶段，在这期间，男女生的性征差别也有了明显的差异，他们也具有了对“美”的认识能力。据笔者调查得知，八成以上的中学生在对校服的改进上选择了校服的款式，近九成的中学生觉得男女生的校服间应有明显的差别。一些欧美国家和东亚国家的校服在男女生的区别还是较为明显的，女生下装均采用裙装。中学时期是每个人人生中重要的阶段，而校服这种“印痕化”的服装会影响一个人的审美以及穿衣习惯，是校园美育的一个重要标识。因此，设计师在校服设计时可以加入某些具有学校特色的元素，这样不仅能增强学校的凝聚力，也能使中学生从心理上更加主动的接受校服。另外，在校服设计时，应有明显的性征差别，这能正确引导中学生的性别意识观念，提高中学生的综合素质，这也是校服“绿色设计”中非常重要的一点。

　　古语云“天地万物，唯人为贵”，旨在强调人为社会发展的主体。而我国当前的校服设计需要重视以“学生”为本的基本理念，因此，在遵循“绿色设计”的理念下，校服设计应主要从安全舒适性、绿色环保等角度出发，这才能与“绿色设计”的主题相契合。

　　中学生的生理特点是活泼好动，易出汗、生长发育快，且穿着时间长。因此校服设计应该重视服装的舒适性，服装面料应该采用柔软舒适且吸湿透气性及弹性都比较强的面料，如纯棉纱布、针织面料等。对于一些甲醛含量严重超标的化纤面料以及对人体健康有害面料都应该严禁使用。2015年，国家标准委批准国家标准 GB/T31888- 2015《中小学生校服》，标准中规定校服直接接触皮肤的部分棉纤维含量标称值不低于35%，甲醛和pH值达到纺织品基本安全技术要求类别B类等，标准自之日起实施。这是我国专门针对中小学生校服产品的国家标准，这也展现了国家对中小学生健康成长的重视。因此，设计师在进行校服设计时，应考虑到选取面料的安全性、舒适性等，尽量选取绿色环保、有益学生身心健康的面料。

　　在成人女装周而复始的运用复古元素的当今潮流中，童趣设计作为一种全新的概念，给女装设计带来一种新鲜与玩味，形成一种新时尚的服装设计风格。童趣设计有着积极的活力与乐感，诠释出“后童时代”味的稚嫩、多彩、青春的女装风格理念，逐步将成年女装设计趋向年轻化，将女性对过去的纯真与美好藏匿于服装上。童趣设计通过稚趣的设计语言巧妙地运用在女装设计中，是一种反正常思维的逆向思维并引导新型现代女装的新主流风格。

　　时尚先锋ANNA SUI曾说无论女性处于20岁，30岁，40岁还是更老，身体和心里都永远住着一个小女孩。文化人类学者认为，人类文化心理中存在一种难以根除的儿童情结，即对天真浪漫、无忧无虑的儿童年代的怀念和羡慕之情1。面对高科技快速发展的生活背景下，成人内心更渴望希孩子的那般快乐、纯真的内心世界，以弥补内心所缺。通过充满童趣设计的女装，潜意识希望得到关爱和呵护，诸多原因导致了成年女性的文化价值观产生变化，虽然身体的发育呈现成人的特征，但心理上则呈现出与实际年纪完全不相符的留恋儿童特征的观念和想法。服装装束上的“扮嫩”和童趣，这是一种新文化的成年女性消费观念，这种儿童化特征的消费对女装风格直接影响女性消费者的消费方式。童趣一词概念源于儿童时代的情趣，一种自然纯真地乐趣心理活动。女装童趣设计指的是将童装设计中的色形质等元素运用在女装设计，通过魔幻、纯粹、稚嫩、活泼的设计符号进行拓展变化，力图将大自然的多元化形象归纳并运用到女装设计中，丰富女性们的心理，形成一种新的女装俏皮活力风格。哲学家叔本华曾说过“风格是心灵的外观”，服装风格是一个时代、一个流派、一个民族或个人的服装在形式表达和内容方面所显示出来的内在品格、艺术特色和价值取向。

　　在较长的时间段内，童趣设计手法被潜移默化的融入到女装设计中，而女装风格服饰的流行样式则在这种单一的思维模式逐渐被打破，二者间的相互影响与交融比我们想象的更为多样、丰富。童趣设计在女装设计中的运用的历史时间相对比较短，然而也是有迹可循的，如在20世纪至21世纪这段时期中童趣设计风格与女装服饰呈现模仿与反模仿的阶段，童趣设计风格首次作为一种主流风格出现在女装设计中。其后社会政治的发展变化、科技的改革创新、艺术与艺术之间的演变……诸多因素导致人们的生活不断的变化着，进而逐渐改变着女性的着装方式和审美状态。那么，现代女装设计所追求的境界归根结底仍然是其设计风格和定位，风格表现出设计师独特的思维理念和艺术追求。女装中细节元素与流行款式在童装领域产生影响及借鉴，与此同时，童趣元素和流行样式同样在女装设计中也产生流行。查阅服装的发展历史，在18世纪后出现，并主要以女装风格影响童趣风格为主。虽然童趣风格有发展、分化的趋势，但我们仍可以看出童趣风格受到女装风格直接的影响现象存在。无论是童趣风格影响女装设计或女装风格影响童趣设计，都存在交替出现的现象，两者的融合较大程度上丰富了二者的细节元素和流行样式。18世纪后期，童趣风格逐渐呈现自由分化式的发展趋势，不同于以往较单一的影响进而变得多元丰富。将两者进行研究对比，可以发现一些童趣设计的细节特征和样式会巧妙地出现在女装领域。人们的行为方式、审美观念直接导致二者的流行影响关系更为紧密和丰富。进入21世纪，面对更为纷繁的成衣与童趣风格流行样式变化以及越来越敏锐的消费者，对于有意无意被时尚包裹并受其驱动的人们，辩证了两者之间的流行关系影响，以便我们对其发展趋势作出正确的预测。历史的长河无论如何变迁，创意永远是女装设计的灵魂，而设计思维的创新则需要设计师们不断地挖掘女性的性格喜好、生活方式及流行扑捉中启发出来。